Daft Punk: Electroma. Entre la música y el cine

El dueto francés Daft Punk, formado por Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo, si ha destacado por algo ha sido por su música que a finales de los noventa supuso una entrada de aire fresco para el panorama de la electrónica. Su primer álbum, Homework (1997), fue publicado por el sello Soma Quality Records, y se convirtió en un referente que influenció en muchos otros artistas. El género agrupador es el house, a partir de ahí el dueto combina acordes del disco y de la balada rock con toques de funk, techno y synth.
Aún así el gran éxito vino con el disco Discovery (2001), licenciado por Virgin con un aire más comercial y enfocado a las pistas de baile. De este disco se desprendieron en las radios musicales generalistas canciones como One more time, Harder, Better, Faster, Stronger o Digital Love. Más personal y que seguramente decepcionó a muchos que esperaban algo parecido a su disco anterior, fue Human After All (2004). Sin embargo, una faceta muy desconocida de Daft Punk es su producción cinematográfica, y es que desde sus inicios han propuesto un producto cultural multimedia. Me explico.

En 1999 llegaba D.A.F.T.: A Story About Dogs, Androids, Firemen and Tomatoes, una recopilación de videos caracterizando algunas de las canciones del álbum Homework, la principal diferencia con el video clip, es que en algunos videos, como el caso de Da funk, habían diálogos. De hecho, este es el único caso de toda su filmografía donde hay conversaciones, porque en Interstella 5555, Daft Punk recurrían al dibujante de manga japonés Kazuhisa Takenouchi, para poner imagen a Discovery, creando una curiosa historia en que un magnate de la música se dedica a raptar a músicos extraterrestres para convertirlos en megaestrellas en la Tierra. Aquí quizás sí, se podría considerar un video clip de más de una hora.

Con eso, en 2006, los franceses hacían el largometraje más trabajado hasta el momento. Se trata de Electroma, donde ellos mismos son caracterizados en una historia muy parecida a la película Gerry (2002), del controvertido director Gus van Sant. Muy parecido por las escenas del recorrido de los protagonistas a través del desierto, de hecho, es realmente descarado en la forma, pero no tiene nada, o poco que ver, en cuanto al contenido. Creo que Electroma resulta ser mucho más efectiva que Gerry.
Dos robots tienen el deseo de ser humanos y para ello se someten a una “operación estética”, sin embargo, igual que Ícaro quiso volar y no pudo, la evidencia de las leyes de la naturaleza les hará ver que no pueden.

Con la carencia de diálogos y de expresiones (puesto que no tienen rostro), las interpretaciones resultan prácticamente irrelevantes. Pero ver como dos robots sin rostro, que no dicen nada y que no gesticulan, lleguen a conseguir transmitir sus sentimientos, es, sin duda, el mayor logro. Música y fotografía se convierten, prácticamente, en los únicos lenguajes de emoción: los franceses escogen una banda sonora que no es suya y que toca otros estilos además de la electrónica; la fotografía está al servicio de la música, siendo muy paisajista, pero con la luz y la textura adecuada para cada momento.

La historia es muy simbólica, aunque sencilla. Creo que aunque la forma sí es pretenciosa, el contenido no, de hecho, el mensaje también es simple: forma robótica, pero contenidos humanos, lo que en cierto modo se ve reflejado en el título del álbum Human after all. Aunque no están, muchas de las canciones de éste disco podrían haber sido parte de la banda sonora, pues leyendo los títulos o escuchándolas, inspiran algunas escenas de Electroma.
Uno de los valores con los que se centra la película es la el hecho del ser diferente y de la discriminación, un tema recurrente que también lo encontramos en el video clip de Da funk y, de una forma más positiva y naif, en Interstella 5555. Del mismo modo que a veces discriminamos por cuestiones aparentemente absurdas, Daft Punk absurdizan aún más estos motivos.

Electroma no es más de lo que es, y se advierte que es necesaria una cierta predisposición para visionarla, puesto como ya he dicho lo que se destaca es la forma, la sugestión entre la música y la fotografía. Sin predisposición, curiosidad y sin ganas de imaginar, resultará aburrida.

Cartas de amor a Hitler

Una de las personas de la historia que desearía haber conocido, o al menos haber tenido una charla, es Adolf Hitler. Siempre me he preguntado dos cosas: como una persona puede haber acumulado tanto odio, y como ella sola ha tenido tanta influencia en el desarrollo de los acontecimientos, hasta el punto de casi conseguir que su voluntad se impusiese a la de Europa.
En las últimas décadas y poco a poco el tema del nazismo en Alemania ha dejado de ser un tabú, para poder ser tratado libremente y sin autocensurarse. En el caso del cine, que nos llega con más facilidad que otras disciplinas, tenemos en los tres últimos años, los casos de El último tren a Auschwitz (2006), Ghetto (2006), El hundimiento (2004), El noveno día (2004) u Operación Valkiria (2004), que aunque no polemizan el tema, muestran la gran importancia de unos hechos que siguen marcando la Alemania actual. Muchos también son los libros que han tratado el tema, pero hay uno que, sin duda, es el más curioso de todos: se trata de Cartas de amor a Hitler (Ed. Vas de Francfort, 1995), una selección de casi 10.000 cartas que recibió el fürher de sus admiradoras. William C. Emker, un espía estadounidense de origen alemán, encontró dichas cartas en el búnker en ruinas de Hitler, y en realidad, la gran mayoría de la correspondencia no fue leída, sino guardada sin abrir.
El tema vuelve a la actualidad doce años después de la publicación del libro. Tras varias adaptaciones teatrales, el próximo 27 de marzo, llega la última en la ciudad alemana de Neuss, con la obra con el mismo nombre: Cartas de amor a Hitler, en el Theater am Schlachthof (traducido, es el Teatro del Matadero). Se trata de una obra irónica y nada seria, para tratar este hecho tan desconocido de la vida del gran dictador. En la representación, un cabaretista es el narrador mientras se leen dieciséis cartas de las fans, dónde le llegan a llamar “mi lobito” o “mi dulce amor”.
La obra vuelve en un contexto de Alemania dónde algunas voces públicas han pronunciado su afinidad con el nazismo y con la política social de Hitler. Véase el resultado de la últimas elecciones, dónde los partidos ultraderechistas y neonazis subieron, o el caso más reciente de las recientes declaraciones de Eva Hermann, una popular expresentadora de la televisión alemana, que ha defendido la política familiar del Tercer Reich. En referente a esta situación, el director del Theater am Schlachthof, Reinhard Mlotek, dijo que “convenía recordar un pasado no tan lejano, a 75 años de la llegada del poder de Hitler y cuando algunos parece que le ven hasta cosas buenas al dictador".

Música de baile: Drum&Bass y Dubstep

Dos de las tendencias que están claramente en auge son el Drum&Bass y el Dubstep. Ambos estilos nacidos en el Reino Unido, suponen para muchos el futuro de lo que se convertirá el mainstream. En cierto modo el Hip-hop puede ser el conductor para convertir estos estilos en fenómenos de masas, puesto que éste también ya se ha consolidado como tal (más en otros países que en España). No creo que ni el Drum&Bass ni el Dubstep lleguen a sustituir la electrónica europea, puesto que los veo más complementarios que suplementarios, a parte que como de costumbre, en las islas británicas se va a otro rollo que al resto de Europa. Será interesante ver si estos estilos se quedarán a las puertas de consolidarse como música de baile de masas o se perderán sin salir de los círculos más underground. El Drum&Bass se ha mantenido al margen del mainstream durante casi 20 años, pero eso no lo excluye de que algún día, lo podamos escuchar en las discotecas más comerciales. Por poner un ejemplo, la bassline acelerada típica del Drum&Bass se puede escuchar por ejemplo en una de las canciones del pasado año, que no es precisamente de baile, el Young Folks de Peter, Björn and John, conocida en los anuncios de politonos como “canción del silbido”.

Aquí os dejo un par de recomendaciones interesantes de dos discos que han salido este mes de marzo.

Benga, Diary of an Afro Soldier
Éste es el álbum de debut de Beni Uthman, productor británico que con este disco nos trae un dubstep mucho más “escuchable” para los más reticentes, puesto que tiene una cierta tendencia a combinar rasgos de otros estilos: a veces más funky, a veces más techno.

NU:TONE, Medical History
Dan Gresham es el verdadero nombre de Nu:Tone, que en este 2008 ha sacado su tercer álbum, dónde consigue dar frescura a sus canciones de bassline acelerada gracias a su mezcla con el Funky y el Soul. Es por esa mezcla especial que en su casa, en Hospital Records, se le conoce como el “Cambridge Fast Soul Souldier”.

Música de baile: Renovación en lo kitsch

Con este panorama de mirar hacia atrás continuamente, hay poco espacio para la innovación. De hecho lo que resulta novedoso es versionar alguna música que ya estaba olvidada en el imaginario colectivo. En ese sentido, podríamos entender que el fenómeno de lo kitsch, también ha penetrado en esta materia. Uno de los casos más llamativos en la escena electrónica actual, es el del discjockey alemán Samim, que en su álbum de debut Flow (2007), dio a conocer temas tan curiosos como Heater o Setupone. La diferencia está en que éstas canciones rompen con una tendencia con lo que ya se rompió antes.

La música de baile actual está un tanto bloqueada. Cada vez más la electrónica y el house se han ido juntando, e incluso ahora se habla de electrohouse. Seria complicado definir el nacimiento del electro pero un punto de inflexión importante fue a finales de los 80’ con el grupo alemán Kraftwerk. Es ahora, sin embargo, que mucha gente apuesta por eso como causa (y a la vez consecuencia) de que es lo que está de moda en las salas de baile. Pero ésta unión lejos de suponer una innovación, sigue con los mismos problemas creativos de la tendencia general. Tengo la impresión que cuesta mucho imaginar y crear algo novedoso, pero cuando pasa, la industria, en lugar de buscar nuevas formas musicales, aprovecha esta novedad para darle mil enfoques de lo que en el fondo es lo mismo. El electrohouse fue relativamente novedoso, pero ahora ya está más que agotado.

Música de baile: Crisis creativa

Veinte años después de que Ralphi Rosario publicara You Used To Hold Me, salen, como no, nuevas versiones de este clásico de la música de baile. Y lo curioso del caso es que dichas remezclas están hechas por otros gurús de la música house que llevan más de veinte años pinchando. Danny Tenaglia y Masters At Work se encargan de sacarle el polvo a este tema y actualizarlo para las pistas de baile actuales. Y yo me pregunto, ¿tan baja está la creatividad?, ¿ya está todo hecho? Qué después de tantos años estos señores hayan decidido publicar una versión de la canción, es que realmente se les están acabando las ideas.

El caso es que éste es sólo un ejemplo de una dinámica que ya dura unos cuantos años. Es cierto que existe una tendencia retro en todas las expresiones culturales actuales, y este estancamiento en cuanto a la creatividad musical no solo esta afectando a la música de baile, también a todos los estilos musicales en general. Se da en otros campos cuando Robbie Williams versiona a Frank Sinatra, o bien Amy Winehouse vuelve a los orígenes, o bien los Arctic Monkeys sacan más de lo mismo, o el artista de turno reedita el I will survive de Gloria Gaynor.

La música house tiene sus orígenes en la evolución del Rhythm & Blues, al pasar por la música Disco. Uno puede inspirase en los orígenes, pero esta tendencia esta siendo radical. Muchos temas que suenan en la mayoría de discotecas de todo el mundo son samplers o piezas vocales sacados descaradamente de canciones de los años setenta y ochenta, ya sea desde Marvin Gaye hasta Earth Wind & Fire, pasando por Blondie. El caso paradigmático, por el éxito que tuvo, es el Hung Up de Madonna que coge de fondo un sampler de una canción de ABBA.

Pero aún así, parece ser que no solo se recurre a la música disco. Históricos del dance de principios de los noventa como Technotronic, Black Box, Hadaway, Inner City, Felix o Prodigy han sido versionados recientemente, y por no hablar también de artistas coetáneos y de otros tiempos de cualquier otro estilo, como The Doors, Guns & Roses o Michael Jackson. De hecho, para más INRI, la canción de Madonna Hung Up, tuvo, como no, sus remezclas. Es el remix de otro remix.

Por otro lado nos encontramos con un fenómeno que ha ido a más en los últimos años: el bootleg, que es la yuxtaposición de dos o más piezas musicales. El álbum Alive 2007 de los franceses Daft Punk, es un caso ejemplificador, ya que está compuesto de bootlegs en base a sus canciones más populares.

No me parece mal reeditar de vez en cuando alguna canción, pero siempre que en la oferta haya un punto de innovación y sea novedoso. ¿Se supone que a partir de ahora, cada vez que entre una generación le vamos a meter la misma música que la anterior generación, pero versionada? ¿La gente no tiene interés en conocer lo que ya se hizo? ¿Nos conformamos con conocer lo más caliente del año, que al cabo de un tiempo, ya no nos acordaremos de que era?
En fin…

Chikilicuatre no es el único

En los últimos tiempos el Festival de Eurovisión se ha ido convirtiendo más en un espectáculo televisivo, que un concurso musical. La puesta en escena, la caracterización de los cantantes, la originalidad del show, etc., han ido cobrando importancia, y lo podemos comprobar con los ganadores de una de las recientes ediciones en la que ganaron un grupo de fineses disfrazados de monstruos. Esta transformación de la gala podría ser debida muy probablemente a la necesidad que tenía el festival de renovarse. Poco a poco, el interés que despertaba había ido a menos, y con eso se ha encontrado el remedio.
Este año, Roberto Chikilicuatre no estará sólo en medio de cantantes mediocres, insulsos y repetitivos. He estado curioseando por saber cuales serán sus rivales y me han llamado la atención un par de cosas. La primera es el candidato de Irlanda, que no es hombre ni mujer, sino un pajarraco que se llama Dustin (Dustin, the turkey) y que en la canción pide que le den los doce puntos. En la línea de Irlanda, los cantantes de Letonia, Croacia, Bélgica o Bosnia y Herzegovina también son de los que admiten sin tapujos la verdadera realidad de lo que es Eurovisión.

Y la otra cosa que me ha sorprendido es la canción de Bulgaria, ¡electrohouse y breaks en Eurovisión! Hay madre mía…



Para que podáis valorar vosotros mismos las posibilidades de ganar que tiene Rodolfo, os dejo el link con la página donde salen los video clips de los participantes.

http://www.eurovision-08.com/content/view/27/33/

Culturales franceses, culturales españoles

Que tres de los grandes periódicos franceses ofrezcan dos suplementos culturales en su web dice, a priori, mucho a favor del interés de la población francesa por la cultura. Sin embargo, y antes de reprochar el bajo nivel de lectura de nuestro país, querría comentar cuáles son los contenidos de estos suplementos. De hecho, algunos de los temas que están incluidos, por ejemplo en el Libération, nos serian inimaginables de encontrar en alguno de los diarios españoles. Parece ser que en nuestro país vecino la concepción de lo que es cultura, es mucho más amplia, porque en el caso que comentaba del Libération, la portada que me encontré de la edición digital, comentaba el boom mediático del desnudo de la primera dama francesa, Carla Bruni. Dando una ojeada a Babelia, El Cultural o ABCD, suplementos de los principales diarios españoles, encontramos revisiones sobre productos culturales considerados más elitistas y enmarcados dentro de las clásicas disciplinas del arte. A lo que me refiero, es que en España no hay en la prensa de referencia, una cultura (y valga la redundancia) de prestar atención a la cultura de masas, es decir, a los fenómenos culturales vinculados más a su condición social que artística.

Posiblemente, muchos reprocharían que un semanario cultural que trate el desnudo de un personaje famoso, pero el sensacionalismo no está en el tema sino en el tratamiento. El caso del diario que he tomado por ejemplo es el más claro: dispone de una sección, Tentations, llena de temas que se podrían considerar de ocio, tecnología, curiosidades, etc. Aún así, los vecinos franceses también dedican bastante espacio a temáticas de cultura más consolidadas, y en especial a la literatura, puesto que Le Monde, Libération y Le Fígaro tienen suplementos de sólo libros.

Es evidente que en Francia, el periodismo cultural ya está en pleno proceso de reconversión hacia un periodismo de ocio que abarque muchos más temas y disciplinas que lo qué la tradición ha marcado. Desconozco las características de las audiencias de estos tres diarios, sin embargo, intuyo que la media de edad es menor que los principales periódicos españoles, porque los contenidos franceses son mucho más frescos y cercanos. En España, parece que a los editores les cuesta ofrecer unos contenidos que atraigan a las nuevas generaciones. Es el caso de La Vanguardia, que tiene unos lectores con una media de edad bastante alta. Aún así, parece que en el diario catalán se están espabilando, ya que, al menos a mi modo de ver, su suplemento cultural es el más dinámico e innovador de los del país.